WAS
7. Philharmonisches Konzert der Bremer Philharmoniker
„Glanz“

WANN
Sonntag, 4. Februar 2024, 11 Uhr
Montag, 5. Februar 2024, 19:30 Uhr

WO
Konzerthaus Glocke
Domsheide 4/5
28195 Bremen

Drei Werke, eine Tonart – das 7. Philharmonischen Konzertes der Bremer Philharmoniker erklingt in C-Dur. Die Klangvielfalt und das breite Stimmungsspektrum dieser Tonart stellen der britische Dirigent Joel Sandelson und die Pianistin Schaghajegh Nosrati mit Haydns „Alleluia“-Symphonie, Mozarts Klavierkonzert Nr. 21 und Schuberts großer C-Dur-Symphonie am 4. und 5. Februar in der Bremer Glocke vor.  

Mitte Dezember 2023 sorgte sie in der ausverkauften New Yorker Carnegie Hall für Begeisterung, zwei Monate später ist sie zu Gast bei den Bremer Philharmoniker. Die Rede ist von Schaghajegh Nosrati, eine der herausragenden Pianistinnen ihrer Generation. In der Fachwelt hat sich die ehemalige Preisträgerin des Leipziger Bachwettbewerbs längst einen Namen gemacht, höchste Zeit also, dass das Bremer Publikum sie nun endlich mit Mozarts C-Dur-Konzert näher kennenlernen darf. Komponiert hat Mozart es 1785, zu einer Zeit, als er in Wien auf der Höhe seiner pianistischen Popularität stand. Die Auftragslage war entsprechend, was in diesem Falle dazu führte, dass das Werk erst unmittelbar vor der Uraufführung beendet wurde. Ein wahrer Husarenritt, der dem Erfolg jedoch keinen Abbruch tat. „Dein Bruder spielte ein herrliches Concert“, schrieb Mozarts Vater Leopold an seine Tochter. „Ich war hinten in den Logen und hatte das Vergnügen, alle Abwechslungen der Instrumente so vortrefflich zu hören, dass mir vor Vergnügen die Thränen in den Augen standen.“ Bis heute gehört es zu den bekanntesten von Mozarts insgesamt 27 Klavierkonzerten.

Vorab steht die Symphonie Nr. 30 von Joseph Haydn auf dem Programm, die vor allem wegen des prägnanten Alleluia-Themas zu großer Bekanntheit und Beliebtheit gelangte und so ihren berühmten Beinamen bekam. In der Fastenzeit vor Ostern wird in der Liturgie 40 Tage lang auf das Alleluia verzichtet. Erst in der Osternacht erklingt es zur großen Freude vieler erstmals wieder. Bei der Uraufführung seiner Symphonie überraschte Haydn die Zuhörer am Hofe des Fürsten Esterhazy kurz nach Ostern 1765 im ersten Satz mit genau diesem Alleluia – anfangs noch etwas versteckt in den Oboen, gegen Ende jedoch mit vollen Bläsersatz – und wurde erneut seinem Ruf gerecht, immer für eine Überraschung gut zu sein.

Wenn von Franz Schubert die Rede ist, fällt oft auch der Begriff „himmlische Längen“. Es war kein geringere als Robert Schumann, der Schubert damit Respekt zollte. Dessen „Große C-Dur“-Symphonie dauert gut 50 Minuten, 1154 Takte hat allein das gigantische Finale. Schumann war es auch, der die Partitur in einem Stapel von Manuskripten bei Schuberts Bruder Ferdinand entdeckte und Felix Mendelssohn Bartholdy darauf aufmerksam machte, der das Werk in einer gekürzten Fassung in Leipzig erstmals aufführte. Und vor allem war es erneut Schumann, der eine „völlige Unabhängigkeit, in der Symphonie zu denen Beethovens“ feststellte und damit das Trauma ansprach, unter dem viele Komponisten nach Beethovens Tod standen. Allein die Möglichkeit, nach einer Symphonie wie der Neunten von Beethoven überhaupt noch Symphonien schreiben zu können, schien vielen anmaßend zu sein. Nicht zuletzt mit Schuberts Großer C-Dur Symphonie als weiterem Markstein ging die Geschichte der Symphonie zum Glück trotzdem weiter.

Das Programm
Joseph Haydn (1732–1809)
Symphonie Nr. 30 C-Dur Hob. I:30 Alleluia  ´14
– Allegro
– Andante
– Finale. Tempo di Menuet, più tosto Allegretto
Uraufführung vermutlich kurz nach Ostern 1765 in Esterhaza

Wolfgang Amadeus Mozart (1756–1791)
Klavierkonzert C-Dur KV 467      ´30
– Allegro maestoso
– Andante
– Allegro vivace
Uraufführung am 10. März 1785 in Wien

Franz Schubert (1797–1828)
Symphonie C-Dur D 944               ´50
– Andante – Allegro ma non troppo – Più moto
– Andante con moto
– Scherzo. Allegro vivace
– Finale. Allegro vivace
Uraufführung am 21. März 1839 in Leipzig

Joel Sandelson, Dirigat
Schaghajegh Nosrati, Klavier

Informationen zu Künstlern und Programm / Auszüge aus dem Programmheft

Joel Sandelson

Dirigat

Der 1994 in London geborene  Cellist und Dirigent Joel Sandelson studierte Musik an der Universität Cambridge und an der Royal Academy of Music sowie in Tanglewood und in Meisterkursen bei Martyn Brabbins, Jorma Panula und Thomas Søndergård. 2021 wurde er durch den Gewinn des Herbert von Karajan Young Conductors Award der Salzburger Festspiele international bekannt. Aktuelle und bevorstehende Engagements umfassen u.a. Konzerte mit der Dresdner Philharmonie, dem Staatsorchester Stuttgart, dem BBC Symphony Orchestra, dem Royal Philharmonic Orchestra, dem Rotterdam Philharmonic Orchestra, dem Hallé Orchestra, dem Copenhagen Philharmonic und dem Staatsorchester Hannover. Im Jahr 2020 absolvierte er zwei Spielzeiten als Assistant Conductor beim BBC Scottish Symphony Orchestra und als Leverhulme Fellow am Royal Conservatoire of Scotland. Zuvor gründete und leitete er das in London ansässige Orchester für historische Instrumente Wond’rous Machine. 

Schaghajegh Nosrati

Klavier

Schaghajegh Nosrati wurde 1989 in Bochum geboren. Der internationale Durchbruch gelang ihr im Jahr 2014 durch ihren Erfolg als Preisträgerin des internationalen Bach-Wettbewerbs in Leipzig und durch die enge musikalische Zusammenarbeit mit Sir András Schiff. Der lobte die „erstaunliche Klarheit, Reinheit und Reife“ ihres Bach-Spiels sowie ihr damit verbundenes Musikverständnis. Mitte Dezember 2023 sorgte sie in der ausverkauften New Yorker Carnegie Hall für Begeisterung und gehört spätestens seitdem zu den herausragendsten Pianistinnen ihrer Generation. Ihr Debüt beim Klavier-Festival Ruhr in der Essener Philharmonie in Vertretung des erkrankten Daniel Barenboim (2023) ist ein weiterer Höhepunkt ihrer Karriere. Ihre aktuelle Aufnahme umfasst den ersten Band des Wohltemperierten Klaviers von Johann Sebastian Bach und wurde im Quartal 4/2022 mit dem Preis der Deutschen Schallplattenkritik ausgezeichnet. Neben ihrer Solotätigkeit ist Schaghajegh Nosrati auch im Weltmusik-Bereich begeisterte Kammermusikerin. Parallel zu ihrer Konzertlaufbahn engagiert sich Schaghajegh Nosrati auch in der Lehre, u.a. an der Barenboim-Said-Akademie Berlin. 

Joseph Haydn (1732–1809)

Symphonie Nr. 30 C-Dur

Die dreisätzige Symphonie Nr. 30 schrieb Haydn im Alter von 33 Jahren, als er am angesehenen Hof des Fürsten Esterházy angestellt war. Sie zeichnet sich durch die Besonderheit aus, dass Haydn im ersten Satz das Alleluia der Osternacht zitiert und zwar sehr dramaturgisch gedacht drei Mal hintereinander und jedes Mal einen Halbton höher, ein echtes Ereignis. Die Grundtonart dieser Sinfonie ist C-Dur. Haydn reservierte diese Tonart oft für tiefgründige religiöse Aussagen in Werken wie seinem späten Oratorium „Die Schöpfung“ oder eben in der Symphonie Nr. 30. Das „Alleluja“-Motiv dominiert das eröffnende Allegro-Thema und auch das zweite Thema ist von dieser Melodie abgeleitet, während in der Durchführung ein Fragment dieses Themas durch Haydns musikalischen Fleischwolf gedreht wird. In der Reprise kehrt das Thema, nun von Oboen und Hörnern deklamiert, wieder. Das zentrale Andante stellt die Flöte in den Vordergrund, zu der sich später zwei Oboen gesellen, die jedoch im kurzen Mittelteil schweigen. Durchaus ungewöhnlich ist der Schlusssatz, denn hier kombiniert Haydn in höchst innovativer Art und Weise ein Menuett mit einem Rondo. Es gibt zwei Trios, jedoch ohne Wiederholungen des Menuetts zwischen dem Trio I und II. Beendet wird der Satz durch eine Coda, die im Fortissimo schließt. 

Wolfgang Amadeus Mozart (1756–1791)

Klavierkonzert C-Dur

1785 befand sich Mozart in einer äußerst produktiven Schaffensphase und genoss als Komponist wie auch als Pianist eine große Popularität. Allein im Frühjahr diesen Jahres hatte er drei große Auftritte in der eigene und in fremden Akademien, für die er jeweils ein Klavierkonzert schrieb, so auch das C-Dur-Konzert. Der erste Satz ist der Ausarbeitung eines Kontrasts gewidmet: zwischen dem marschartigen Motiv des Anfangs auf der einen Seite und empfindsameren Episoden der Streicher und Holzbläser auf der anderen Seite. Der langsame Satz wirkt einerseits wie die instrumentale Version einer Opernarie, andererseits scheint er eine der romantischsten Nocturnes des neunzehnten Jahrhunderts zu sein. Ganz buffonesk kommt schließlich das Finale daher. Die Leichtigkeit, der einfache, sprudelnde Humor dieses Finales sind dem Geist der Opera buffa jedenfalls sehr nahe. Contretanz und Marsch gehen hier eine überraschende Verbindung ein, was genügend Stoff für ein langes Sonatenrondo bietet. 

Franz Schubert (1797–1828)

Symphonie C-Dur

Die Entstehungszeit dieser Symphonie fällt in die Zeit einer ausgedehnter Konzertreise Schuberts im Jahr 1825. Die Tournee brachte dem jungen Komponisten mehr Anerkennung als je zuvor und auch ein anständiges Einkommen. Während dieser Reise wurde einst vermutet, dass er die sogenannte „Gasteiner Symphonie“ geschrieben hatte, die lange Zeit als verlorenes Meisterwerk des Komponisten gehandelt wurde. Heute geht man davon aus, dass es gar keine verlorene Symphonie gibt, sondern dass es sich bei dem, was man all die Jahre gesucht hatte, um die vorliegende Große C-Dur-Sinfonie handelt. Charakteristisch für die C-Dur Symphonie ist der innovative Gebrauch der Blechbläser, wie man vor allem im ersten Satz mit seinem prominenten Einsatz der Hörner und Posaunen hören kann. Schubert war der erste Komponist, der die Posaunen in einer Symphonie in einer abwechslungsreichen und phantasievollen Orchestrierung einsetzte. Aufmerken lassen auch Schuberts charakteristische, farbige Harmonien und sein außergewöhnliches Talent für Melodien. Nicht umsonst wird Schubert oft als der „romantische“ Klassiker bezeichnet.

WANN
Sonntag, 4. Februar 2024, 11 Uhr
Montag, 5. Februar 2024, 19:30 Uhr

WO                
Konzerthaus Glocke
Domsheide 4/5
28195 Bremen

Drei Werke, eine Tonart – das 7. Philharmonischen Konzertes der Bremer Philharmoniker erklingt in C-Dur. Die Klangvielfalt und das breite Stimmungsspektrum dieser Tonart stellen der britische Dirigent Joel Sandelson und die Pianistin Shaghajegh Nosrati mit Haydns „Alleluia“-Symphonie, Mozarts Klavierkonzert Nr. 21 und Schuberts großer C-Dur-Symphonie am 4. und 5. Februar in der Bremer Glocke vor.  

Mitte Dezember 2023 sorgte sie in der ausverkauften New Yorker Carnegie Hall für Begeisterung, zwei Monate später ist sie zu Gast bei den Bremer Philharmoniker. Die Rede ist von Shaghajegh Nosrati, eine der herausragenden Pianistinnen ihrer Generation. In der Fachwelt hat sich die ehemalige Preisträgerin des Leipziger Bachwettbewerbs längst einen Namen gemacht, höchste Zeit also, dass das Bremer Publikum sie nun endlich mit Mozarts C-Dur-Konzert näher kennenlernen darf. Komponiert hat Mozart es 1785, zu einer Zeit, als er in Wien auf der Höhe seiner pianistischen Popularität stand. Die Auftragslage war entsprechend, was in diesem Falle dazu führte, dass das Werk erst unmittelbar vor der Uraufführung beendet wurde. Ein wahrer Husarenritt, der dem Erfolg jedoch keinen Abbruch tat. „Dein Bruder spielte ein herrliches Concert“, schrieb Mozarts Vater Leopold an seine Tochter. „Ich war hinten in den Logen und hatte das Vergnügen, alle Abwechslungen der Instrumente so vortrefflich zu hören, dass mir vor Vergnügen die Thränen in den Augen standen.“ Bis heute gehört es zu den bekanntesten von Mozarts insgesamt 27 Klavierkonzerten.

Vorab steht die Symphonie Nr. 30 von Joseph Haydn auf dem Programm, die vor allem wegen des prägnanten Alleluia-Themas zu großer Bekanntheit und Beliebtheit gelangte und so ihren berühmten Beinamen bekam. In der Fastenzeit vor Ostern wird in der Liturgie 40 Tage lang auf das Alleluia verzichtet. Erst in der Osternacht erklingt es zur großen Freude vieler erstmals wieder. Bei der Uraufführung seiner Symphonie überraschte Haydn die Zuhörer am Hofe des Fürsten Esterhazy kurz nach Ostern 1765 im ersten Satz mit genau diesem Alleluia – anfangs noch etwas versteckt in den Oboen, gegen Ende jedoch mit vollen Bläsersatz – und wurde erneut seinem Ruf gerecht, immer für eine Überraschung gut zu sein.

Wenn von Franz Schubert die Rede ist, fällt oft auch der Begriff „himmlische Längen“. Es war kein geringere als Robert Schumann, der Schubert damit Respekt zollte. Dessen „Große C-Dur“-Symphonie dauert gut 50 Minuten, 1154 Takte hat allein das gigantische Finale. Schumann war es auch, der die Partitur in einem Stapel von Manuskripten bei Schuberts Bruder Ferdinand entdeckte und Felix Mendelssohn Bartholdy darauf aufmerksam machte, der das Werk in einer gekürzten Fassung in Leipzig erstmals aufführte. Und vor allem war es erneut Schumann, der eine „völlige Unabhängigkeit, in der Symphonie zu denen Beethovens“ feststellte und damit das Trauma ansprach, unter dem viele Komponisten nach Beethovens Tod standen. Allein die Möglichkeit, nach einer Symphonie wie der Neunten von Beethoven überhaupt noch Symphonien schreiben zu können, schien vielen anmaßend zu sein. Nicht zuletzt mit Schuberts Großer C-Dur Symphonie als weiterem Markstein ging die Geschichte der Symphonie zum Glück trotzdem weiter.

Das Programm

Joseph Haydn (1732–1809)
Symphonie Nr. 30 C-Dur Hob. I:30 Alleluia  ´14
– Allegro
– Andante
– Finale. Tempo di Menuet, più tosto Allegretto
Uraufführung vermutlich kurz nach Ostern 1765 in Esterhaza

Wolfgang Amadeus Mozart (1756–1791)
Klavierkonzert C-Dur KV 467      ´30
– Allegro maestoso
– Andante
– Allegro vivace
Uraufführung am 10. März 1785 in Wien

Franz Schubert (1797–1828)
Symphonie C-Dur D 944               ´50
– Andante – Allegro ma non troppo – Più moto
– Andante con moto
– Scherzo. Allegro vivace
– Finale. Allegro vivace
Uraufführung am 21. März 1839 in Leipzig

Joel Sandelson, Dirigat
Shaghajegh Nosrati, Klavier

WAS              
6.Philharmonisches Konzert der Bremer Philharmoniker
„Inspiration“
                     
WANN
Sonntag, 14. Januar 2024, 11 Uhr
Montag, 15. Januar 2024, 19:30 Uhr
Dienstag, 16. Januar 2024, 19:30 Uhr
 
WO                
Konzerthaus Glocke
Domsheide 4/5
28195 Bremen

Ein Spiel um Leben und Tod, eine genreübergreifende Weltreise und eine Wundertüte musikalischer Überraschungen – mit Strawinskys Petruschka, Kapustins Cellokonzert Nr. 1 und Haydns Symphonie Nr. 70 präsentieren die Bremer Philharmoniker Werke von gleichsam inspirierenden und inspirierten Komponisten. Mit Hossein Pishkar hat das Orchester zudem einen Dirigenten zu Gast, dessen Wiedereinladung nach seinem Bremer Debüt vor drei Jahren ein ausdrücklicher Wunsch der Musiker:innen war. Ein höchst inspirierender Start ins neue Jahr!
 
„Eines Tages machte ich vor Freude einen Luftsprung: ‹Petruschka›!“, erzählte Igor Strawinsky über den Moment, als ihm 1911 bei einem Spaziergang am Genfer See endlich der lang verzweifelt gesuchte Titel für sein neuestes Werk einfiel. Geschrieben hatte er es für das berühmte Ballets Russes des Impresarios Sergej Djagilev, mit dem er kurz zuvor schon mit dem Ballett Der Feuervogel für Begeisterung sorgte. Petruschka sorgte nun für Strawinksy endgültigen Durchbruch. Im Mittelpunkt der mittlerweile legendären Komposition steht der tragische Held Petruschka, ein Zauberer, eine schöne Ballerina und ein nach damaligem Sprachgebrauch sogenannter Mohr. Das Bremer Konzertpublikum darf gespannt sein auf eine bewegende Liebesgeschichte mit allem, was dazu gehört: Sehnsucht, Verführung, Verrat, Verzweiflung, Eifersucht … und hochdramatisch: Mord. Weniger tragisch, sondern ganz im Gegenteil köstlich heiter geht es bei Haydns Symphonie Nr. 70 zu. Hier zeigt er sich so, wie man ihn kennt und liebt: spritzig, einfallsreich und voller Überraschungen – ein Schöpfer symphonischer Wundertüten.
 
Rund 200 Jahre nach Haydn betritt ein Pianist und Komponist in der ehemaligen Sowjetunion die Klassikbühne und lebt dort auf bislang nie dagewesene Art und Weise seine Liebe zu Jazz und Klassik aus: Nikolai Kapustin – im Westen Jahrzehnte lang unbemerkt, doch dann plötzlich katapultartig als Kultfigur verehrt. Zu Recht, denn seine Musik kennt keine Grenzen. So ist es auch kein Wunder, dass der Cellist Eckart Runge seine Werke als faszinierende Weltreisen beschreibt, die das Publikum dazu einladen, verschiedene musikalische Universen zu erkunden – und er muss es wissen. Schließlich war er es, dem Kapustin 1997 sein erstes Cellokonzert zur Uraufführung und Ersteinspielung anvertraute.
 
Das Programm
 
Joseph Haydn (1832-1809)         
Symphonie Nr. 70 D-Dur Hob. I:70         
– Vivace von brio
– Specie d´un Canone in Contrapunto doppio. Andante
– Menuett. Allegretto
– Finale. Allegro con brio
Uraufführung am 18. Dezember 1779 in Esterházy
 
Nikolai Kapustin (1937-2020)
Konzert für Violoncello und Orchester Nr. 1 op. 85
– Allegro
– Largo con moto
– Allegro
 
Igor Strawinsky (1882-1971)
Petruschka. (Fassung 1947. Burleske in vier Teilen)      
– Volksfest in der Fastnachtswoche
– Bei Petruschka
– Bei dem Mohren
– Karneval abends und Petruschkas Tod
Uraufführung am 13. Juni 1911 in Paris
 
Hossein Pishkar, Dirigat
Eckart Runge, Violoncello

Informationen zu Künstlern und Programm / Auszüge aus dem Programmheft
 
Hossein Pishkar
Dirigat
Der junge iranische Dirigent Hossein Pishkar wurde bekannt, als er 2017 den Deutschen Dirigentenpreis verliehen bekam. Außerdem wurde Hossein Pishkar mit dem Ernst-von-Schuch-Preis ausgezeichnet, der jährlich in Kooperation mit dem Dirigentenforum vergeben wird. In der Saison 20/21 debütierte er beim Belgrade Philharmonic Orchestra, der NDR-Radiophilharmonie sowie beim Qatar Philharmonic Orchestra. In der jüngsten Vergangenheit dirigierte Hossein Pishkar zudem Konzerte mit dem Beethoven Orchester Bonn, den Düsseldorfer Symphonikern, dem Orchestra Giovanile Luigi Cherubini, der Staatskapelle Halle, dem Staatsorchesters Stuttgart und dem WDR-Sinfonieorchester. Als Assistent arbeitete er mit François–Xavier Roth im Mai 2019 bei der Einstudierung von Philippe Manourys Lab.Oratorium mit dem Gürzenich-Orchester und übernahm als 2. Dirigent. Als Kind begann er, sich mit traditioneller persischer Musik zu beschäftigen. Bevor Hossein Pishkar 2012 sein Dirigierstudium bei Rüdiger Bohn an der Robert Schumann Hochschule Düsseldorf begann, studierte er bereits Komposition und Klavier in Teheran, wo er 1988 geboren wurde. Dort dirigierte er bereits in jungen Jahren das Teheran Youth Orchestra und das Orchester der Teheran Music School.
 
Eckart Runge
Violoncello
Eckart Runge hat sich als Cellist, Hochschullehrer, Kurator und Musikvermittler als einer der vielseitigsten Musiker seiner Generation etabliert. Einem internationalen Publikum wurde er bekannt als Gründer des Artemis Quartetts, mit dem er dreißig Jahre weltweit konzertierte, sowie mit seinem Duo Runge & Ammon, mit dem er seit 25 Jahren in Konzertserien, Festivals und Clubs gastiert. Seiner großen Leidenschaft, den Grenzgängen zwischen klassischer Musik und Jazz, Tango, Rock- und Filmmusik hat das Duo mehrere Einspielungen gewidmet. In Heidelberg geboren, studierte Runge in Brüssel, Lübeck und Wien. An der Universität der Künste Berlin, der Chapelle de la Reine Elisabeth in Brüssel, der Academia Stauffer in Cremona sowie auf zahlreichen Meisterkursen gab er seine Erfahrungen an Studenten aus aller Welt weiter. Seit 2023 ist er Professor an der Robert Schumann Hochschule in Düsseldorf. Sein künstlerisches Selbstverständnis sieht Eckart Runge auch im gesellschaftlichen Engagement und unterstützt durch regelmäßige Benefizkonzerte und Einsatz vor Ort u.a. Organisationen wie Jeunesses Musicales Deutschland, Yehudi Menuhins Life Music Now sowie Mit-Mach-Musik, ein Integrationsprojekt für Flüchtlingskinder. Eckart Runge spielt ein seltenes Cello der Brüder Hieronymus und Antonio Amati aus Cremona von 1595, das ihm als großzügige Leihgabe von Merito String Instrument Trust Wien zur Verfügung gestellt wird.
 
 
Joseph Haydn (1832-1809)         
Symphonie Nr. 70 D-Dur Hob. I:70         
Haydn komponierte die Symphonie Nr. 70 für die Grundsteinlegung des neuen Opernhauses am Hof des österreichischen Fürsten Nikolaus I. aus dem Hause Eszterházy. Das alte wurde 1779 durch einen Brand im Ballsaal zerstört. Entsprechend des freudigen Anlasses beginnt die Symphonie mit einem repräsentativ-optimistischen Vivace. Im zweiten und vierten Satz stellt Haydn seine kontrapunktischen Fähigkeiten unter Beweis. Das etwas burschikose Menuett des dritten Satzes ist ein deutlicher Kontrast, zum Rest der Symphonie und geht einfallsreich mit Kontrasten spielend ins  Finale über. Es steht nicht nur hauptsächlich in d-Moll, sondern ist in seinem Kern eine kontrapunktische Meisterleistung: eine Dreifachfuge „in contrapunto doppio“, mit anderen Worten drei gleichzeitige zweistimmige Fugen. Beide, die Tonart-Variante und die auf die Spitze getriebenen kontrapunktischen Spielereien, waren in einem solchen Werk alles andere als gewöhnlich.
 
Nikolai Kapustin (1937-2020)
Konzert für Violoncello und Orchester Nr. 1 op. 85
Lange Jahre war die Musik des russischen Komponisten und Pianisten Nikolai Kapustin dem westlichen Publikum nahezu unbekannt. Dabei hat der Komponist in aller Stille mehr als 150 Werke geschrieben, die sich durch eine einzigartige, geradezu idiomatische Verschmelzung der musikalischen Sprache des Jazz mit den Traditionen der klassischen Musik auszeichnen. Kapustins Credo: Komponisten westlicher Kunstmusik könnten viel von „der rhythmischen Vitalität und dem Swing des Jazz lernen, während Jazzmusiker in den groß angelegten Formen und komplexen Tonsystemen der klassischen Musik neue Entwicklungsmöglichkeiten finden können“. Als er im Juli 2020 im Alter von 82 Jahren in Moskau starb, war er schon kein Geheimtipp mehr, was nicht zuletzt das Verdienst des Cellisten Eckart Runge ist. Runge hat mit seinem Duo „Runge & Ammon“ Kapustins Werke für Cello und Klavier aufgeführt und aufgenommen. Und was das erste Cellokonzert betrifft, so war es Runge, dem Nikolai Kapustin die Partitur anvertraut hat. Runge beschreibt das Werk als faszinierende Weltreise für das Cello, die den Hörer dazu einlädt, verschiedene musikalische Universen zu erkunden. Hierbei werden die Welten des Symphoniekonzerts, des Solospiels, des Jazz-Trios und der Big Band auf einzigartige Weise miteinander vereint.
 
Igor Strawinsky (1882-1971)
Petruschka. (Fassung 1947. Burleske in vier Teilen)      
Die Zusammenarbeit zwischen dem Herausgeber, Kunstkritiker, Kurator und Impresario Sergej Djagilev und Igor Strawinsky begann mit dem Ballett Der Feuervogel. Das Ballett wurde zu einem Erfolg, eine weitere Zusammenarbeit – Petruschka – brachte den beiden dann den endgültigen Durchbruch. Die Idee für Petruschka stammte von Strawinsky selbst. Die konzertante Aufführung von Petruschka besteht aus vier Tableaus. Das erste Tableau „Volksfest in der Fastnachtswoche“ führt in das Jahr 1830 und zeigt die letzten Tage des Karnevals im alten St. Petersburg. Die Musik zeichnet das Bild eines geschäftigen Jahrmarkts: Menschenmassen und glitzernde Attraktionen überall, die sich in den ständig wechselnden Rhythmen und Harmonien und in der Orchestrierung widerspiegeln. Die Figur der Puppe Petruschka wird mit dem sogenannten Petruschka-Akkord eingeführt: einer schrägen Klangballung (Cluster) aus Dur-Dreiklängen auf C und Fis. Hinzu kommen noch die Ballerina und der so genannte Mohr. Es kommt zu einem Tumult, Petruschka wird inhaftiert. Im zweiten Tableau „Bei Petruschka“ träumt Petruschkas von der Freiheit, und von der Ballerina, die er liebt. Sie neckt ihn, will aber natürlich nichts mit ihm zu tun haben. Das dritte Tableau „Bei den Mohren“ erzählt von der Liebe zwischen der Ballerina und dem Mohren. Im vierten Tableau „Karneval abends und Petruschkas Tod“ wird Petruschka vom Mohren ermordet. Doch der Zauberer erkennt in ihm eine Marionette und erweckt ihn wieder zu leben.

WAS              
5.Philharmonisches Konzert der Bremer Philharmoniker
„Harmonie“

WANN
Sonntag, 17. Dezember 2023, 11 Uhr
Montag, 18. Dezember 2023, 19:30 Uhr
Dienstag, 19. Dezember 2023, 19:30 Uhr

WO                
Konzerthaus Glocke
Domsheide 4/5
28195 Bremen

Kurz vor Weihnachten erfüllen die Bremer Philharmoniker den Konzertsaal mit „Harmonie“, so der Titel des 5. Philharmonischen Konzert. Mit John Adams´ Harmonielehre lotet das Orchester unter der Leitung von Generalmusikdirektor Marko Letonja Balancen zwischen musikalischen Wurzeln und neuen Klangwelten aus und stellt gemeinsam mit der Weltklasse-Pianistin Tamara Stefanovich bei Ravels Klavierkonzert für die linke Hand die Gesetze des Gleichgewichts auf den Kopf.

Ein wahres Klangwunder komponierte Maurice Ravel, als er 1930 im Auftrag des einarmigen Pianisten Paul Wittgenstein das Klavierkonzert für die linke Hand schrieb. Der Österreicher war erst 26 Jahre alt und stand am Beginn einer großen Karriere, als ihm im 1. Weltkrieg nach einer Verletzung der rechte Arm amputiert werden musste. Er überlebte die Operation sowie das russische Gefangenenlager und schaffte es nicht zuletzt dank seines wohlhabenden Elternhauses, nach dem Krieg seine Karriere fortzusetzen, indem er namhafte Komponisten wie z.B. Richard Strauß und Engelbert Humperdinck beauftrage, Klavierkonzerte zu komponieren, die ohne Einsatz der rechten Hand gespielt werden konnten – so auch den französischen Komponisten Maurice Ravel. Die Klangfülle eines zweihändigen Klavierspiels, die Ravel in diesem Klavierkonzert mit nur einer Hand imitiert, sorgte bei Publikum und Kritikern für Erstaunen und Begeisterung. Als bekannter und hochgeschätzter Orchestrator zog Ravel alle Register, um den Pianisten mit Hilfe des Orchesters in Szene zu setzen. Er komponierte ein Konzert, das gleichzeitig Vision und Illusion ist, denn es ist kaum zu glauben, dass man dieses Werk mit nur einer Hand spielen kann. Die Bremer Philharmoniker freuen sich außerordentlich, dass sie für dieses Klavierkonzert die Pianistin Tamara Stefanovich als Gastolistin begrüßen dürfen. 

Marko Letonjas Faible für Werke des 20. Jahrhunderts durfte das Bremer Konzertpublikum bereits mehrmals genießen. Nach z.B. Schostakowitsch, Ligeti und Chin in den vorangegangenen Spielzeiten widmet er sich in dieser Konzertsaison gleich zweimal der Musik von John Adams: Im April lässt er das Orchester mit den Chairman Dances einen flotten Foxtrott spielen, kurz vor Weihnachten präsentiert er jetzt die Harmonielehre. Es gilt als Schlüsselwerk der jüngeren Musikgeschichte und wird sowohl Klassikneugierige wie erfahrene Klassikfans ansprechen. Adams geht es bei diesem Werk nicht nur um die Balancen zwischen Tonarten und deren Beziehungen zueinander, sondern auch um die psychische und spirituelle Harmonie Einzelner und in zwischenmenschlichen Beziehungen. Er habe sich bei der Arbeit an diesem Werk auch selbst Harmonie gelehrt, so Adams über seine Harmonmielehre, in der er mit minimalistischen Mitteln visionäre Klangbilder entwirft, in denen sich Mystik, Märchen und eigene Träume vermischen.

Eröffnet wird das Konzert mit dem Vorspiel zur Wagner-Oper Parsifal. Es entführt das Publikum in die sagenhafte Welt des Helden Parsifal. Wagner beschrieb den Inhalt mit schlichten drei Worten: Liebe, Glaube, Hoffnung. Parsifal ist sein letztes großes Werk, und ganz im Sinne der kurzen Zusammenfassung sagte er zufrieden und nahezu am Ende seines langen Schaffens: „Ich weiß nicht, wie Gott mein Lebenswerk bewerten wird. In den letzten drei Wochen habe ich über fünfzig Partiturseiten vom Parsifal geschrieben und drei jungen Hunden das Leben gerettet. Warten wir ab, was gewichtiger auf die Waagschale drücken wird.“

Das Programm

Richard Wagner (1813-1883)                    
Parsifal. Vorspiel WWV 111  
Uraufführung am 26. Juli 1880 in München

Maurice Ravel (1875-1937)        
Klavierkonzert D-Dur für die linke Hand
Uraufführung am 5. Januar 1932 in Wien

John Adams (*1947)                                     
Harmonielehre  
– Part I (Untitled)
– Part II: The Anfortas Wound
– Part III: Meister Eckhardt and Quackie
Uraufführung am 21. März 1985 in San Francisco

Tamara Stefanovich, Klavier
Marko Letonja, Dirigat

Die Besucher dürfen sich auf eine kurzweilige Veranstaltung mit leidenschaftlichem Orchester freuen. „5nachsechs“ bietet mit einer Konzertdauer von einer guten Stunde eine ideale Gelegenheit für klassische Musikerlebnisse in lockerer Atmosphäre. Der frühe Konzertbeginn und die attraktiven Eintrittspreise von nur 20 Euro für Erwachsene und 9,50 Euro für Schüler, Azubis und Studenten machen das vom Freundeskreis prophil e.V. geförderte „5nachsechs“ auch für Familien, Jugendliche und junge Erwachsene zu einem beliebten Event.

Alle, die den Abend um 18.05 Uhr mit einer guten Stunde klassischer Musik beginnen möchten, sollten sich auch bereits die weiteren Termine vormerken:

• Mittwoch, 7. Februar 2024 „Tschaikowskys Liebespaare“ / Werke von Pjotr Iljitsch Tschaikowsky
• Mittwoch, 28. Februar 2024 „Transsylvanische Reise“ / Werke von Johannes Brahms, Franz Liszt, Sándor Varess und György Ligeti
• Mittwoch, 17. April 2024 „Höllenvisionen und Liebesglück“ / Werke von Carl Maria von Weber und Antonín Dvorák
• Mittwoch, 29. Mai 2024 „Musik über Musik“ / Werke von Franz Schubert, Dobrinka Tabakova, Igor Strawinsky und Zoltán Kodály

Für regelmäßige Besuche ist das frei kombinierbare 5n6-Abo interessant: Sechs Ticketgutscheine sind flexibel kombinierbar und bieten zudem stark ermäßigten Konzertgenuss. Egal ob ein Ticket für jedes Konzert, drei Konzerte zu zweit oder ein Konzertbesuch gemeinsam mit Freunden und Familie, alles ist möglich.

WANN
Sonntag, 17. Dezember 2023, 11 Uhr
Montag, 18. Dezember 2023, 19:30 Uhr
Dienstag, 19. Dezember 2023, 19:30 Uhr

WO                
Konzerthaus Glocke
Domsheide 4/5
28195 Bremen

Kurz vor Weihnachten erfüllen die Bremer Philharmoniker den Konzertsaal mit „Harmonie“, so der Titel des 5. Philharmonischen Konzert. Mit John Adams´ Harmonielehre lotet das Orchester unter der Leitung von Generalmusikdirektor Marko Letonja Balancen zwischen musikalischen Wurzeln und neuen Klangwelten aus und stellt gemeinsam mit der Weltklasse-Pianistin Tamara Stefanovich bei Ravels Klavierkonzert für die linke Hand die Gesetze des Gleichgewichts auf den Kopf.

Ein wahres Klangwunder komponierte Maurice Ravel, als er 1930 im Auftrag des einarmigen Pianisten Paul Wittgenstein das Klavierkonzert für die linke Hand schrieb. Der Österreicher war erst 26 Jahre alt und stand am Beginn einer großen Karriere, als ihm im 1. Weltkrieg nach einer Verletzung der rechte Arm amputiert werden musste. Er überlebte die Operation sowie das russische Gefangenenlager und schaffte es nicht zuletzt dank seines wohlhabenden Elternhauses, nach dem Krieg seine Karriere fortzusetzen, indem er namhafte Komponisten wie z.B. Richard Strauß und Engelbert Humperdinck beauftrage, Klavierkonzerte zu komponieren, die ohne Einsatz der rechten Hand gespielt werden konnten – so auch den französischen Komponisten Maurice Ravel. Die Klangfülle eines zweihändigen Klavierspiels, die Ravel in diesem Klavierkonzert mit nur einer Hand imitiert, sorgte bei Publikum und Kritikern für Erstaunen und Begeisterung. Als bekannter und hochgeschätzter Orchestrator zog Ravel alle Register, um den Pianisten mit Hilfe des Orchesters in Szene zu setzen. Er komponierte ein Konzert, das gleichzeitig Vision und Illusion ist, denn es ist kaum zu glauben, dass man dieses Werk mit nur einer Hand spielen kann. Die Bremer Philharmoniker freuen sich außerordentlich, dass sie für dieses Klavierkonzert die Pianistin Tamara Stefanovich als Gastolistin begrüßen dürfen. 

Marko Letonjas Faible für Werke des 20. Jahrhunderts durfte das Bremer Konzertpublikum bereits mehrmals genießen. Nach z.B. Schostakowitsch, Ligeti und Chin in den vorangegangenen Spielzeiten widmet er sich in dieser Konzertsaison gleich zweimal der Musik von John Adams: Im April lässt er das Orchester mit den Chairman Dances einen flotten Foxtrott spielen, kurz vor Weihnachten präsentiert er jetzt die Harmonielehre. Es gilt als Schlüsselwerk der jüngeren Musikgeschichte und wird sowohl Klassikneugierige wie erfahrene Klassikfans ansprechen. Adams geht es bei diesem Werk nicht nur um die Balancen zwischen Tonarten und deren Beziehungen zueinander, sondern auch um die psychische und spirituelle Harmonie Einzelner und in zwischenmenschlichen Beziehungen. Er habe sich bei der Arbeit an diesem Werk auch selbst Harmonie gelehrt, so Adams über seine Harmonmielehre, in der er mit minimalistischen Mitteln visionäre Klangbilder entwirft, in denen sich Mystik, Märchen und eigene Träume vermischen.

Eröffnet wird das Konzert mit dem Vorspiel zur Wagner-Oper Parsifal. Es entführt das Publikum in die sagenhafte Welt des Helden Parsifal. Wagner beschrieb den Inhalt mit schlichten drei Worten: Liebe, Glaube, Hoffnung. Parsifal ist sein letztes großes Werk, und ganz im Sinne der kurzen Zusammenfassung sagte er zufrieden und nahezu am Ende seines langen Schaffens: „Ich weiß nicht, wie Gott mein Lebenswerk bewerten wird. In den letzten drei Wochen habe ich über fünfzig Partiturseiten vom Parsifal geschrieben und drei jungen Hunden das Leben gerettet. Warten wir ab, was gewichtiger auf die Waagschale drücken wird.“

Das Programm

Richard Wagner (1813-1883)                    
Parsifal. Vorspiel WWV 111  
Uraufführung am 26. Juli 1880 in München

Maurice Ravel (1875-1937)        
Klavierkonzert D-Dur für die linke Hand
Uraufführung am 5. Januar 1932 in Wien

John Adams (*1947)                                     
Harmonielehre  
– Part I (Untitled)
– Part II: The Anfortas Wound
– Part III: Meister Eckhardt and Quackie
Uraufführung am 21. März 1985 in San Francisco

Tamara Stefanovich, Klavier
Marko Letonja, Dirigat

WAS              
4.Philharmonisches Konzert der Bremer Philharmoniker
„Trost“                     

WANN
Montag, 20. November 2023, 19:30 Uhr
Dienstag, 21. November 2023, 19:30 Uhr 

WO                
Konzerthaus Glocke
Domsheide 4/5
28195 Bremen

»Ich sage, dass ein Mann wie Verdi auch wie Verdi komponieren muss«, so Verdis Ehefrau Giuseppina Strepponi. Das Requiem ihres berühmten Mannes beweist dies mit ergreifender Emotionalität und kompromissloser Radikalität in aller Deutlichkeit. Die Bremer Philharmoniker präsentieren Verdis Meisterwerk in ihrem 4. Philharmonischen Konzert am 20. und 21. November gemeinsam mit dem Hamburger Carl-Philipp-Emanuel-Bach-Chor unter dem Dirigat von Hansjörg Albrecht. Als Solisten mit dabei: der Preisträger des Opern!Awards 2023 Michael Volle sowie Gabriela Scherer, Eva Vogel und Sung Min Song.

Verdis Messa da Requiem ist eines der bekanntesten und am häufigsten aufgeführten Werke der symphonischen Chorliteratur. Für manche ist es seine „schönste Oper“, für einige wenige wie Hans von Bülow dagegen eine „Ansammlung von Hässlichkeiten“, eine „Oper im Kirchengewande“. Doch ob Oper oder Totenmesse: Nie zuvor wurden die Schrecken des Jüngsten Gerichts mit theatralischer Wucht und nahezu martialischen Klängen imposanter in Töne gesetzt, kaum jemals zuvor wirkte die Tröstung der Hinterbliebenen durch eine überwältigende Schlichtheit inniger und ergreifender als in Verdis Requiem.

Anlass für das Komponieren eines Requiems gab der Tod Gioacchino Rossinis im November 1868. Für Verdi war Rossini eine Symbolfigur der italienischen Nation. Ihm wollte er ein musikalisches Denkmal setzen: ein Requiem, zudem er und von ihm ausgewählte bedeutende italienische Komponisten jeweils einen Satz beitragen sollten. Als Uraufführung war der erste Todestag Rossinis vorgesehen. Letztendlich scheiterte das Projekt jedoch laut Verdi an „Jämmerlichkeiten des Alltags, an Eigennutz und Eitelkeit, an der egoistischen Gleichgültigkeit, die die Geißel, das Verderben unseres Landes ist.“. Erst der Tod des damals in Italien ebenso verehrten Dichters und Schriftstellers Alessandro Manzoni im Mai 1873 führte dazu, dass Verdi schließlich doch noch ein Requiem schrieb, dieses Mal von vornherein allein.  Die Uraufführung am 22. Mai 1874 in Mailand wurde landesweit gespannt erwartet. Der Publikumsandrang war so groß, dass drei weitere Aufführungen angesetzt werden mussten und anschließend sieben (!) Konzerte in Paris sowie nur ein Jahr später weitere in London, Wien, Köln, München und Dresden stattfanden. Der Siegeszug des Verdi Requiems durch Kirchen und Konzertsäle in der ganzen Welt begann und hält bis heute ungebrochen an. Die kraft- und trostspendende Wirkung des Requiems scheint von immerwährender Aktualität.  

Das Programm 

Giuseppe Verdi (1813-1901)                    
Messa da Requiem       
– Requiem – Kyrie
– Dies irae
– Offertorium
– Sanctus – Benedictus
– Agnus Dei
– Lux aeterna
– Libera me
Uraufführung am 22. Mai 1874 in Mailand 

Albrecht, Dirigat 

Gabriela Scherer, Sopran
Eva Vogel, Mezzo/Alt
Sung Min Song, Tenor
Michael Volle, Bassbariton 

Carl-Philipp-Emanuel-Bach-Chor

Informationen zu Künstlern und Programm / Auszüge aus dem Programmheft 

Hansjörg Albrecht
Dirigat

Hansjörg Albrecht zählt zu den wenigen Künstlern, die international sowohl als Dirigent als auch als Konzertorganist regelmäßig präsent sind. Als Dirigent gilt er international als Spezialist der historisch informierten Spielweise, geht aber konsequent eigene Wege – zwischen Archiv und Neuschöpfung, mit einem umfangreichen Repertoire von Bach bis Messiaen und dem Faible für vergessene Komponisten und Uraufführungen. Mit seinen Orgeltranskriptionen etablierte er sich als Spezialist unter den Virtuosen seines Instruments. Albrecht war bis zur Saison 22/23 Künstlerischer Leiter des Münchener Bach-Chores & Bach-Orchesters. Er ist ständiger Gastdirigent des Carl-Philipp-Emanuel-Bach-Chores Hamburg und seit 2022 Principal Guest Conductor am Teatro Petruzzelli Bari, Italiens viertgrößtem Opernhaus. Hansjörg Albrecht ist Mitglied des Direktoriums der Neuen Bach-Gesellschaft sowie Künstlerischer Leiter des 2022 erstmals weltweit ausgetragenen und unter der Schirmherrschaft der UNESCO stehenden Internationalen Online Orgel Festivals (IOOF). Beim Label Oehms Classics legte er als Dirigent und Organist bisher über 30 CDs vor. Bis 2024, Anton Bruckners 200. Geburtstag, realisiert er die erste Gesamteinspielung aller Bruckner-Sinfonien als Orgeltranskriptionen an Originalschauplätzen. 

Gabriela Scherer
Sopran

Die Sopranistin Gabriela Scherer wurde in Zürich geboren und absolvierte ihr Studium am Mozarteum in Salzburg. Anschließend war sie Mitglied im Opernstudio Zürich und absolvierte Meisterkurse bei Angelika Kirchschlager, Francisco Araiza und Barbara Fink. In dieser Zeit war sie Preisträgerin des Internationalen Mozartwettbewerbs. Ihre musikalische Praxis führte sie u. a. in das Ensemble der Oper Leipzig und anschließend an die Bayerischen Staatsoper ebenso als Ensemblemitglied. Gabriela Scherer arbeitet regelmäßig mit Dirigentinnen und Dirigenten wie Riccardo Chailly, John Eliot Gardiner, Lawrence Foster, Christopher Hogwood, Kent Nagano, Marek Janowski, Marcus Bosch und Simone Young zusammen. Konzerte führen sie auf Schloss Elmau, zur Jubiläums-Gala des „Europäischen KulturForums“ sowie zu den Opernfestspielen Heidenheim. In der Spielzeit 2021/22 gab sie ihr Haus- und Rollendebüt in der Titelpartie von Puccinis „Tosca“ am Theater Dortmund sowie ihr Rollendebüt als Elsa in einer Neuproduktion von „Lohengrin“ von Katharina Wagner an der Oper Leipzig zu den Festtagen „Wagner 22“, wo sie ebenso als Freia zu hören sein wird. Auch war sie mit Rossinis „Petite Messe Solenelle“ in Zürich zu hören. 

Eva Vogel
Mezzo, Alt

Die Mezzosopranistin Eva Vogel studierte am New Yorker Mannes College of Music und an der Yale University in den USA. Privat arbeitete sie mit Christa Ludwig und Brigitte Fassbaender. Nach Ihrem Studium in den USA wurde Eva Vogel als Mitglied des Opernstudios an die Oper Köln verpflichtet. Festengagements in Düsseldorf und Innsbruck folgten, Gastengagements in Europa führen Eva Vogel an Häuser wie das Royal Opera House London, Staatsoper Berlin, Grand Theatre Genève, Teatro Massimo Palermo und das Teatro Regio Torino. Diverse Wagner-Rollen gestaltete die Mezzosopranistin u.a. beim Festival in Aix-en-Provence, den Salzburger Osterfestspielen und dem Lucerne Festival. Konzertverpflichtungen und Liederabende führten u.a. zum Concertgebouw Amsterdam, Palais des Beaux Arts Brüssel, Philharmonie Berlin, Tonhalle Düsseldorf, Klavierfestival Ruhr, Laeiszhalle Hamburg, Philharmonie Essen, Auditorium Mailand sowie nach New York, Alabama oder Seoul. Sie arbeitete mit Dirigenten wie Marcus Bosch, John Eliot Gardiner, Pietari Inkinen, Ingo Metzmacher, Simon Rattle und Edo de Waart. Aktuelle Engagements führen sie u.a. zu den Duisburger Philharmonikern, dem Musikkollegium Winterthur, den Musikverein Wien und zum Sinfonieorchester des Bayerischen Rundfunks. 

Sung Min Song
Tenor

Sung Min Song wurde in Seoul, Korea, geboren und studierte zunächst Computertechnik, bevor er zum Gesang fand. Er setzte seine künstlerische Ausbildung an der Musikhochschule in München mit einem Aufbaustudium für Musiktheater, Konzertgesang und Liedgestaltung bei Dr. Daniel Kotlinski fort. Der Künstler wurde bei Wettbewerben mit zahlreichen Auszeichnungen geehrt, so u. a. beim Richard-Strauss-Gesangswettbewerb (zweiter Preis), Anneliese Rothenberger Preis, Musikpreis des Kulturkreises Gasteig, Luitpold-Preis des Kissinger Sommers und Grand Prix und Prix Special ADAMI beim Concours International de Belcanto Vincenzo Bellini in Paris. Seit der Spielzeit 2017/2018 ist Sung Min Song Ensemblemitglied des Saarländischen Staatstheaters. Gastspiele führten ihn u. a. an die Opéra de Marseille, die Opéra National de Lorraine in Nancy, an das Theater Aachen, Theater Heidelberg, Landestheater Salzburg, Konzerthaus Dortmund, an die Tiroler Festspiele in Erl, zum Kissinger Sommer sowie den Dresdner Musikfestspielen und zum Schleswig-Holstein-Musikfestival. Auftritte als Lied- und Konzertsänger ergänzen sein künstlerisches Profil. 

Michael Volle
Bassbariton

Der Bariton Michael Volle ist einer der international gefragtesten Sänger seines Fachs. Er gastiert an führenden Opernhäusern wie der Semperoper Dresden, der Bayerischen und der Wiener Staatsoper, dem Royal Opera House in London, dem Teatro alla Scala di Milano, dem Opernhaus Zürich, der Opéra national de Paris sowie der Metropolitan Opera in New York. Im Wagnerfach machte er sich einen Namen, indem er an der MET die Partie des Hans Sachs (»Die Meistersinger von Nürnberg«) in einer weltweiten Kinoübertragung gestaltete. Michael Volle verfügt über ein breit gefächertes Repertoire, das von Mozart, Strauss und Wagner über Verdi und Puccini bis hin zu Mussorgsky  und Berg reicht. An der Staatsoper Unter den Linden war er u. a. als Dr. Schön („Lulu“), Holländer, Scarpia, Orest, Falstaff, Jack Rance („La fanciulla del West“) und Don Giovanni sowie in dieser Spielzeit als Wotan in der Neuproduktion von Wagners »Der Ring des Nibelungen« zu sehen. Zahlreiche CD-, DVD-, Rundfunk- und TV-Produktionen, eine umfangreiche Konzerttätigkeit und Liederabende, sowie die Arbeit mit internationalen Spitzenorchestern unter bedeutenden Dirigentinnen und Dirigenten zeigen das internationale Renommee des Künstlers. Die Zeitschrift OPERNWELT kürte ihn 2007/2008 und 2013/2014 zum »Sänger des Jahres«. Bei den Oper! Awards 2023 gewann er die Kategorie „Bester männlicher Sänger“. 

Carl-Philipp-Emanuel-Bach Chor

Der Carl-Philipp-Emanuel-Bach-Chor Hamburg steht seit 25 Jahren für künstlerische Exzellenz. Das experimentierfreudige Ensemble widmet sich in flexiblen Besetzungen einem außergewöhnlich breiten Repertoire – vom Frühbarock bis in die Moderne, vom Oratorium und der Oper bis zur A-cappella-Musik – und sucht dabei immer wieder neue Wege. Gemeinsames, intensives Musizieren ist der ureigenste Sinn des Ensembles. Der Carl-Philipp-Emanuel-Bach-Chor Hamburg ist musikalisch unabhängig und selbständig. Mit einer Vielzahl von Konzerten im Jahr prägt das Ensemble das Konzertleben der Stadt wie kein anderer sich selbst tragender Chor in Hamburg. Aus der engen und überaus erfolgreichen Zusammenarbeit mit dem Dirigenten und Visionär Hansjörg Albrecht sind in den letzten Jahren neue ausgefallene Programmkonzepte entwickelt worden, die über das klassische Repertoire hinausgehen. Der Carl-Philipp-Emanuel-Bach-Chor Hamburg ist in den großen Konzerthallen, Kathedralen und bei renommierten Festivals wie den Thüringer Bachwochen, den Festspielen Mecklenburg-Vorpommern oder den Merseburger Orgeltagen ein gern gesehener Gast. Interessante Kooperationen öffnen den Blick für neue Erfahrungen und Erlebnisse. 

Giuseppe Verdi (1813–1901)
Messa da Requiem       

Im Requiem von Giuseppe Verdi stehen die Verheißung des himmlischen Lebens und die Schrecken des Jüngsten Gerichtes im Mittelpunkt. Und das hat Verdi mit seinen oft opernhaften Mitteln sehr eindrucksvoll inszeniert. Kaum jemals wurden die Schrecken des Jüngsten Gerichts imposanter in Töne gesetzt, kaum jemals hat die Tröstung der Hinterbliebenen einen ergreifenderen Klang gehabt. Wenn man sich dem ungehemmten und zuweilen auch bombastischen Pathos dieses Werkes in seiner vollen Pracht ungehindert hinzugeben vermag, gibt es kaum etwas Eindrucksvolleres.

Äußerer Anlass für die Komposition der Messa per Requiem war naheliegenderweise ein Todesfall: Im November 1868 starb Gioacchino Rossini, der für Verdi ein Symbol der italienischen Nation war. Um Rossini ein Denkmal zu setzen, hatte Verdi eine Idee: Zusammen mit anderen bedeutendsten italienischen Komponisten wollte er ein Requiem für den verstorbenen Kollegen komponieren, das dann zum ersten Jahrgedächtnis uraufgeführt worden wäre. Jeder sollte einen Satz komponieren. Verdi selbst stellte sich ganz hintan und reklamierte lediglich den letzten Satz für sich, das Libera me. Die Gemeinschaftskomposition wurde zwar fristgerecht fertig, zur Aufführung kam sie aber nie.

Erst ein weiterer Todesfall führte dazu, dass Verdi allein das Requiem vollständig vertonte. Am 22. Mai 1873 starb der Dichter und Schriftsteller Alessandro Manzoni, ein in Italien geradezu abgöttisch verehrter Nationaldichter. Im Hinblick auf den Text der Totenmesse hielt sich Verdi an die langanhaltende Tradition, nach der der Text der römisch-katholischen Totenmessen im Jahre 1570 per Dekret als Missa pro defunctis von Papst Pius V. festgelegt wurde. Nur das Graduale (Gesang zwischen den Lesungen) und den Tractus (Gesang zwischen Evangelium und Predigt) ließ Verdi aus.

Wie ein Trauerzug mutet der einleitende Introitus (Requiem aeternam) an. Das nachfolgende Kyrie ist durch den stetigen Wechsel von Solistenquartett und Chor geprägt, die sich immer weiter in einen flehentlichen Bittgesang hineinsteigern, um am Ende wieder im Pianissimo zu verklingen. In der anschließenden Sequenz (Dies irae) fährt Verdi alles auf, was das Orchester zu bieten hat. Die Schrecken des Jüngsten Gerichts malt er mit theatralischer Wucht und ungemein kontrastreicher Dramaturgie aus. Die martialischen Schläge zu Beginn oder die wuchtigen Einsätze des Chores schildern die Apokalypse mit geradezu bedrückender Intensität. Ungemein plastisch vertont Verdi auch das Tuba mirum, in dem er effektvolle Ferntrompeten einsetzt, oder das Rex tremendae, in dem das Orchester das große Zittern vor dem „König schrecklicher Gewalten“ eindrucksvoll in Szene setzt. Dem gegenüber stehen innige Soloarien und Ensembles, etwa das ergreifende Quid sum miser oder das Schuldbekenntnis Ingemisco, eine lyrische Tenorarie zum Dahinschmelzen. Ein großer Kontrast zur Sequenz, die gut ein Drittel des gesamten Requiems ausmacht, ist das den Solisten vorbehaltene Offertorium, die Gabenbereitung. Hier findet Verdi eine viel intimere und transparentere Klangsprache. Der Kontrast solch sphärischer Klänge zum nachfolgenden triumphalen, als Doppelfuge angelegten Sanctus mit seinen Trompetenfanfaren könnte kaum größer sein. Das anmutige Agnus Dei ist trotz – oder gerade wegen – seiner überwältigenden Schlichtheit ein kleines Meisterwerk. Sopran und Mezzosopran wechseln sich mit dem Chor ab. Mehr als eine schlichte Melodie und reduzierte Orchestrierung braucht Verdi hier nicht, um eine Atmosphäre höchster Innigkeit zu schaffen. Auf die sich anschließende Communio Lux aeterna, eine eindringliche Bitte nach ewigem Licht, folgt das Libera me, ein Begräbnisgebet, in dem in einer resoluten Fuge noch ein letztes Mal die Schrecken des Todes vor Augen und Ohren geführt werden, bevor das Requiem sich leise und hoffnungsvoll von Moll nach Dur wendend endet.

WAS              
3.Philharmonisches Konzert der Bremer Philharmoniker
„Pathos“
                     
WANN
Montag, 6. November 2023, 19:30 Uhr
Dienstag, 7. November 2023, 19:30 Uhr
 
WO                
Konzerthaus Glocke
Domsheide 4/5
28195 Bremen

Vorsicht! Beim dritten Philharmonischen Konzert der Bremer Philharmoniker herrscht akute Ohrwurmgefahr! Tschaikowskys Serenade und Faurés Pénélope-Ouvertüre sind wahre Klassikhits und die Orgelsymphonie von Camille Saint-Saëns ein regelrechter Publikumsliebling. Die junge Dirigentin Anna Rakitina und der Weltklasse-Organist Christian Schmitt entfalten mit dem Orchester am 6. und 7. November in der Bremer Glocke ein mitreißendes Kaleidoskop überbordender und majestätischer Klangfarben – Pathos pur!
 
Pjotr Iljitsch Tschaikowsky gelang 1882 mit seiner Streicherserenade ein echter Coup. Bereits bei der Uraufführung forderte das begeisterte Publikum zahlreiche Zugaben ein. Seitdem hat sich die Serenade zu einem Repertoireschlager entwickelt und wurde unzählige Male für alle möglichen Besetzungen bearbeitet, und dabei entstand die Serenade nach Tschaikowskys Worten wohl eher zufällig. So schrieb er kurz nach Fertigstellung in einem Brief: „Zu meiner Überraschung habe ich eine Serenade für Streichorchester komponiert, in vier Sätzen. Ob es nun daran liegt, dass es mein neuestes Werk ist, oder weil sie gar nicht so schlecht ist, bin ich dieser Serenade sehr zugetan."
 
Auch die Symphonie Nr. 3 von Camille Saint-Saëns hat ihren festen Platz unter den populärsten Werken des klassischen Repertoires – und das, obwohl kein geringerer als Hector Berlioz vehement die Meinung vertrat, dass Orgel und groß besetzte symphonische Orchester generell nicht zusammenpassen. Saint-Saëns war das zum Glück herzlich egal. Er war selbst Organist und setzte sein Instrument hier meisterhaft in Szene. Kein Wunder, dass sogar die Filmindustrie auf das Werk aufmerksam wurde und das Finale der „Orgelsymphonie“ als Filmmusik in dem Familienklassiker „Ein Schweinchen namens Babe“ verwendete. Saint-Saëns widmete die Symphonie Franz Liszt, der ein langjähriger Fürsprecher seiner Musik gewesen war. Ihm hatte er auch während der Arbeit an seiner Symphonie einige Themen vorgespielt und wertvolle Anregungen erhalten. „Hier habe ich alles gegeben, was ich geben konnte… so etwas wie dieses Werk werde ich nie wieder schreiben“, so Camille Saint-Saëns.
 
Eröffnet wird das Konzert mit der Pénélope-Ouvertüre von Gabriel Fauré. Fünf Jahre arbeitete er an dieser Oper. „Was mich an dem Gedanken Pénélope fertig zu schreiben am meisten reizt, ist, mich nie wieder auf ein derartiges Abenteuer einzulassen“, schrieb Fauré in einem Brief an seine Frau. Die Mühe hat sich gelohnt: Die Uraufführung war ein voller Erfolg.
 
Ein großer Erfolg verspricht auch das Bremen-Debüt der russisch-ukrainischen Dirigentin Anna Rakitina bei den Bremer Philharmonikern zu werden. Als eine der gefragtesten Dirigentinnen ihrer Generation ist sie mittlerweile weltweit unterwegs. Die Bremer Philharmoniker freuen sich sehr, dass es ihnen gelungen ist, Rakitina für dieses Konzert als Gastdirigentin zu gewinnen. 

Das Programm

Gabriel Fauré (1845-1924)                
Pénélope. Ouvertüre            ´7
 
Uraufführung: 4 März 1913 in Monte-Carlo, 7 Minuten 
 
Pjotr Iljitsch Tschaikowsky (1840-1893)     
Serenade für Streichorchester C-Dur op. 48           ´35
– Andante non troppo – Allegro moderato
– Walzer. Moderato. Tempo di Valse
– Elegie. Larghetto elegiaco
– Finale (Tema Russo) Andante – Allegro con spirito
 
Uraufführung: 30. Oktober 1881 in Moskau 
 
Pause 
 
Camille Saint-Saëns (1835-1921)     
Uraufführung: 6. November 1991 in Glasgow        ´40
Symphonie Nr. 3 c-Moll op. 78 („Orgelsymphonie“)
– Adagio – Allegro moderato – Adagio
– Allegro moderato – Maestoso
 
Uraufführung: 19. Mai 1886 in London 
 
Anna Rakitina, Dirigat
Christian Schmitt, Orgel

WAS              
3.Philharmonisches Konzert der Bremer Philharmoniker
„Pathos“

WANN
Montag, 6. November 2023, 19:30 Uhr
Dienstag, 7. November 2023, 19:30 Uhr

WO                
Konzerthaus Glocke
Domsheide 4/5
28195 Bremen

Viel Pathos im Konzertsaal

Vorsicht! Beim dritten Philharmonischen Konzert der Bremer Philharmoniker herrscht akute Ohrwurmgefahr! Tschaikowskys Serenade und Faurés Pénélope-Ouvertüre sind wahre Klassikhits und die Orgelsymphonie von Camille Saint-Saëns ein regelrechter Publikumsliebling. Die junge Dirigentin Anna Rakitina und der Weltklasse-Organist Christian Schmitt entfalten mit dem Orchester am 6. und 7. November in der Bremer Glocke ein mitreißendes Kaleidoskop überbordender und majestätischer Klangfarben – Pathos pur!

Pjotr Iljitsch Tschaikowsky gelang 1882 mit seiner Streicherserenade ein echter Coup. Bereits bei der Uraufführung forderte das begeisterte Publikum zahlreiche Zugaben ein. Seitdem hat sich die Serenade zu einem Repertoireschlager entwickelt und wurde unzählige Male für alle möglichen Besetzungen bearbeitet, und dabei entstand die Serenade nach Tschaikowskys Worten wohl eher zufällig. So schrieb er kurz nach Fertigstellung in einem Brief: „Zu meiner Überraschung habe ich eine Serenade für Streichorchester komponiert, in vier Sätzen. Ob es nun daran liegt, dass es mein neuestes Werk ist, oder weil sie gar nicht so schlecht ist, bin ich dieser Serenade sehr zugetan."

Auch die Symphonie Nr. 3 von Camille Saint-Saëns hat ihren festen Platz unter den populärsten Werken des klassischen Repertoires – und das, obwohl kein geringerer als Hector Berlioz vehement die Meinung vertrat, dass Orgel und groß besetzte symphonische Orchester generell nicht zusammenpassen. Saint-Saëns war das zum Glück herzlich egal. Er war selbst Organist und setzte sein Instrument hier meisterhaft in Szene. Kein Wunder, dass sogar die Filmindustrie auf das Werk aufmerksam wurde und das Finale der „Orgelsymphonie“ als Filmmusik in dem Familienklassiker „Ein Schweinchen namens Babe“ verwendete. Saint-Saëns widmete die Symphonie Franz Liszt, der ein langjähriger Fürsprecher seiner Musik gewesen war. Ihm hatte er auch während der Arbeit an seiner Symphonie einige Themen vorgespielt und wertvolle Anregungen erhalten. „Hier habe ich alles gegeben, was ich geben konnte… so etwas wie dieses Werk werde ich nie wieder schreiben“, so Camille Saint-Saëns.

Eröffnet wird das Konzert mit der Pénélope-Ouvertüre von Gabriel Fauré. Fünf Jahre arbeitete er an dieser Oper. „Was mich an dem Gedanken Pénélope fertig zu schreiben am meisten reizt, ist, mich nie wieder auf ein derartiges Abenteuer einzulassen“, schrieb Fauré in einem Brief an seine Frau. Die Mühe hat sich gelohnt: Die Uraufführung war ein voller Erfolg.

Ein großer Erfolg verspricht auch das Bremen-Debüt der russisch-ukrainischen Dirigentin Anna Rakitina bei den Bremer Philharmonikern zu werden. Als eine der gefragtesten Dirigentinnen ihrer Generation ist sie mittlerweile weltweit unterwegs. Die Bremer Philharmoniker freuen sich sehr, dass es ihnen gelungen ist, Rakitina für dieses Konzert als Gastdirigentin zu gewinnen.

Das Programm

Gabriel Fauré (1845-1924)                
Pénélope. Ouvertüre            ´7

Uraufführung: 4 März 1913 in Monte-Carlo, 7 Minuten

Pjotr Iljitsch Tschaikowsky (1840-1893)     
Serenade für Streichorchester C-Dur op. 48           ´35
– Andante non troppo – Allegro moderato
– Walzer. Moderato. Tempo di Valse
– Elegie. Larghetto elegiaco
– Finale (Tema Russo) Andante – Allegro con spirito

Uraufführung: 30. Oktober 1881 in Moskau

Pause

Camille Saint-Saëns (1835-1921)     
Uraufführung: 6. November 1991 in Glasgow        ´40
Symphonie Nr. 3 c-Moll op. 78 („Orgelsymphonie“)
– Adagio – Allegro moderato – Adagio
– Allegro moderato – Maestoso

Uraufführung: 19. Mai 1886 in London

Anna Rakitina, Dirigat
Christian Schmitt, Orgel

Informationen zu Künstlern und Programm / Auszüge aus dem Programmheft

Anna Rakitina
Dirigat
Geboren in Moskau als Kind einer russisch-ukrainischen Familie begann Anna Rakitina zunächst ihre Ausbildung als Geigerin und studierte dann Dirigieren am Tschaikowsky-Konservatorium bei Stanislav Diachenko. 2018 gewann Rakitina den zweiten Preis beim Nikolai-Malko-Wettbewerb und weitere Preise beim Deutschen Dirigentenpreis 2017 sowie beim TCO International Conducting Competition 2015 in Taipei. In der Saison 2019/20 war sie Dudamel Fellow des Los Angeles Philharmonic und dirigierte dessen Familienkonzerte in der Walt Disney Hall. Außerdem übernahm sie die Leitung des Youth Orchestra Los Angeles. Nach viel gepriesenen Auftritten mit Orchestern wie dem Chicago Symphony Orchestra, dem New York Philharmonic und dem Boston Symphony Orchestra hat sich Anna Rakitina als eine der gefragtesten Dirigentinnen ihrer Generation etabliert. Bis zum Sommer 2023 war Rakitina Assistant Conductor des Boston Symphony Orchestra unter Musikdirektor Andris Nelsons. Sie ist erst die zweite Frau in der Geschichte des Orchesters in dieser Position. Zu den Orchestern, mit denen Anna Rakitina bereits zusammenarbeitete, gehören neben dem Chicago Symphony Orchestra und dem New York Philharmonic das Vancouver Symphony Orchestra, Malmö Symphony Orchestra, Jenaer Philharmonie sowie das State Academic Symphony Orchestra „Evgeny Svetlanov“.

Christian Schmitt
Orgel
Christian Schmitt tritt regelmäßig in den wichtigsten Konzertsälen der Welt wie der Berliner Philharmonie, der Suntory Hall, dem Wiener Musikverein oder dem Gewandhaus Leipzig auf. Seit 2014 ist er Principal Organist der Bamberger Symphoniker, für die er die Orgelserie für die Konzerthalle Bamberg kuratiert. Christian Schmitt ist als Sachverständiger beratend für Sanierungen und Neubauten von Orgeln in Berlin, Nürnberg, Zürich, Luzern und Brünn tätig, gehört zahlreichen internationalen Wettbewerbsjurys an und engagiert sich für das Musikvermittlungsprojekt „Rhapsody in School“. Höhepunkte der letzten Zeit waren sein Debüt in der Walt Disney Concert Hall in Los Angeles, Aufführungen mit der Staatskapelle Berlin und die japanische Erstaufführung von Toshio Hosokawas „Umarmung“ mit dem Tokyo Metropolitan Symphony Orchestra. 2021 übernahm Christian Schmitt zudem eine Professur für künstlerisches Orgelspiel in Rotterdam und weihte als „Artist in Focus“ des Tonhalle Orchesters Zürich unter der Leitung von Paavo Järvi die neue Orgel ein. 2023 feierte er sein Debüt in der Carnegie Hall New York unter Dennis Russell Davies. 2024 stehen die erste Zusammenarbeit mit dem Philadelphia Orchestra, der Nationalphilharmonie Warschau und eine Wiedereinladung in die Walt Disney Hall auf der Agenda.

Gabriel Fauré (1845–1924)
Pénélope. Ouvertüre
Die Fertigstellung der Oper Pénélope zog sich über insgesamt fünf Jahre hin, da Fauré aufgrund seiner Stellung als Leiter des Pariser Conservatoire nur sehr wenig Zeit hatte. Die Uraufführung im März 1913 in Monte-Carlo war sehr erfolgreich. Die Pariser Premiere im Mai desselben Jahres fand nur drei Wochen vor der Uraufführung von Igor Strawinskys berüchtigtem Ballett „Le sacre du printemps" auf der Bühne des Théâtre des Champs-Élysées statt. Die Handlung der Oper spielt in Ithaka, zehn Jahre nach dem Ende des Trojanischen Krieges. Penelope hat ein ganzes Jahrzehnt auf die Heimkehr ihres Mannes Odysseus aus einem Krieg gewartet, der auch schon ein Jahrzehnt gedauert hat. In dieser langen Abwesenheit ihres Mannes wird sie von zahlreichen Freiern umworben, die sie aber alle vertröstet. Als Odysseus schließlich zurückkehrt, erfährt er davon von seiner ehemaligen Amme. Als Bettler verkleidet spricht er zunächst unerkannt zu seiner Frau und gibt seine wahre Identität erst preis, als er als einziger die „Bogenprobe“ besteht. Die Ouvertüre ist der musikalische Auftakt zu der Oper, die in einem eher zurückhaltenden, zwischen Verzweiflung und Sehnsucht changierenden Duktus beginnt. Viele Motive werden hier bereits eingeführt und auch der dramaturgische Boden für die weitere Handlung wird hier bereitet.

Pjotr Iljitsch Tschaikowsky (1840–1893)
Streicherserenade C-Dur op. 48
Mit der Serenade für Streicher op. 48 wollte er nicht zuletzt seiner „Mozart-Verehrung Tribut zollen“ und in der Tat sind Parallelen unverkennbar. Das 1880 vollendete und 1881 in St. Petersburg uraufgeführte Werk ist eine gelungene Mischung aus Mozartscher Leichtigkeit, deutsch-romantischer Innigkeit und französischer Eleganz. Der erste Satz beginnt mit einem ebenso schlichten wie majestätischen Choral, der vom gesamten Orchester intoniert wird. Es folgt das erste Thema, das mit viel Brio von den Celli zu einer langsamen Begleitung der hohen Streicher gespielt wird. Das zweite Thema ist deutlich agiler. Die beiden Themen werden deshalb im zweiten Durchlauf nur wiederholt und mit der Wiederholung der langsamen Einleitung abgeschlossen. Der zweite Satz ist ein anmutiger Walzer, der die erforderliche Tanzbewegung, die zu Mozarts Zeiten ein stattliches Menuett gewesen wäre, auf eine zeitgemäßere Tanzform aktualisiert. Es ist ein Kontrast zum Eröffnungssatz des Werks und zum breiten, lyrischen und entschieden dunkleren Klang des folgenden Satzes. Der dritte Satz mit dem Titel „Elegie“ zeichnet sich durch beschwörende Harmonien aus. Der letzte Satz beginnt mit gedämpften Streichern. Dieser langsame Abschnitt, der auf einem russischen Volkslied basiert, steht in krassem Gegensatz zum Kern des Satzes, einem sehr schnellen und ausgelassenen Finale, das auf einer anderen russischen Volksmelodie basiert – diesmal einer Tanzmelodie. Es scheint fast so, als würde sich das Stück immer weiter steigern und scheinbar immer schneller werden, bis Tschaikowsky gewissermaßen die Notbremse zieht: Gerade als das Stück zu enden scheint, greift Tschaikowsky auf den Anfang der Serenade zurück statt die erwartete Schlusskadenz zu bringen – den Choral aus der Einleitung des allerersten Satzes. Doch die schnelle Tanzmusik kehrt noch einmal zurück und drängt schließlich immer schneller und schneller zum eigentlichen Ende des Stücks.

Camille Saint-Saëns (1835–1921)
Symphonie Nr. 3 c-Moll op. 78 („Orgelsymphonie)
1871 reiste Saint-Saëns zum ersten Mal nach England, wo er von der Londoner Philharmonischen Gesellschaft beauftragt wurde, ein Werkzu komponieren, dass er in einem ihrer Konzerte dirigieren sollte. Saint-Saëns hatte zufälligerweise bereits einige Ideen für eine neue Symphonie im Kopf. Diese bildeten die Grundlage für das Werk, das im Mai 1886 in London uraufgeführt wurde: eine eigentlich viersätzige Symphonie, die auf den ersten Blick jedoch nur aus zwei Teilen zu bestehen scheint. Obwohl Saint-Saëns als konservativer, wenn nicht gar reaktionärer Komponist galt, ist seine 3. Symphonie somit in vielerlei Hinsicht höchst originell und innovativ, sowohl was die Form und die thematische Entwicklung als auch was die Instrumentierung anbetrifft. Nach einer kurzen und ruhigen Adagio-Einleitung wird das Allegro moderato mit einem leicht unruhigen Thema eingeleitet. Aus diesem Thema wird im Laufe der Symphonie viel Material generiert. Im Weiteren nimmt das Allegro moderato seinen Lauf und geht in ein Poco adagio über, in dem die Orgel zum ersten Mal in Erscheinung tritt und die orchestrale Textur auf hier noch zurückhaltende Weise bereichert. Der zweite Satz beginnt mit einem Scherzo, das in einem gemäßigten, aber stark akzentuierten Allegro moderato gehalten ist. Plötzlich nimmt die Musik aber einen anderen Charakter an: Aus den Tiefen des Orchesters baut sich Spannung auf. Das Klavier lässt Tonleitersalven los, ähnlich wie im Scherzo, während sich das Orchester zu einem allgemeinen Crescendo steigert. Doch auf einmal wird es still, allgemeines pianissimo, die Musik verklingt scheinbar im Nichts. Dann aber bricht mit aller Macht ein strahlender C-Dur-Akkord herein und ein machtvoller Choral im Wechsel von Orgel und Orchester hebt an, bis Saint-Saëns das Tempo anzieht und das Werk in einem majestätischen C-Dur-Finale beendet.